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domingo, 27 de mayo de 2012

¿Y ahora dónde vamos?: Un film de Nadine Labaki.



Nadine, una directora-actriz libanesa... y cristina.


Premio del Público a mejor film, en Festival de Toronto.



Cuando nos encontramos con una película como ¿Y ahora dónde vamos?, una coproducción líbano-francesa que trata el peliagudo tema de la guerra con humor. Sólo podemos decir, que es un film valiente.
Emparenta con aquellas películas italianas del neorrealismo, o incluso más cercano, emparenta con la comedia negra de nuestro querido Luis García Berlanga. En pequeños pueblos perdidos de la geografía de la España de postguerra. Magníficos todos.

La guerra siempre es un método tajante y sangriento de intentar dirimir un enfrentamiento entre países, pueblos y a veces, vecinos y familias. Cuando las cuestiones a solucionar fracasan en las mesas de negociación, en enfrentan hombres cabreados con diferencias territoriales, por motivo de raza o religión. Sin embargo, cuando se rasca profundamente en las cicatrices, no hallamos (en la mayoría de las ocasiones) con problemas que subyacen de las diferentes clases sociales y económicas.
Y es que el dinero, casi siempre está involucrado en las guerras.

Si nuestras vidas dependen de transacciones monetarias, la maquinaria de la guerra maneja los resortes de nuestras muertes. Porque las diferencias entre razas y religiones provienen de las precarias situaciones de vida de las personas. La pobreza y el hambre, son consecuencias que se agravan con el fuego de las armas.

Nadine Labaki es una actriz y directora libanesa (Baabdat) traslada su guerra particular al estado de la comedia negra del neorrealismo. Una pequeña población en el Líbano, dónde sus pintorescos habitantes hacen la guerra sucia, pero el film nos la devuelve con un tono de comedia impagable.
Allí, las separaciones por cuestiones de dinero son escasas, la mayoría son pobres de necesidad. Las huellas de las anteriores batallas es evidente en su vida cotidiana y en sus caras. Pero, las mujeres tienen algo que decirnos.

Los choques de cuernos de los machos dominantes (en apariencia) son la excusa perfecta para desarrollar un sentido particular del humor. Esos hombre se enfrentan con viejas armas con los vecinos de otra religión (diferentes pero iguales en su desdicha y felicidad), para zanjar su predominancia deudora con la sangre y la cultura familiar.
Marcados quedará psíquica y físicamente. Niños, mayores y ancianos, padres e hijos, se provocan para acabar miserablemente.
Muchos serán los regueros de sangre que tiñan sus campos, de sus propios camaradas campesinos, agricultores-ganaderos o comerciantes. Puerta con puerta.

Labaki es mujer y actriz, no participa en los errores de sus compatriotas, empuñando la escopeta dispuesta a acabar con familias.
Ella y las demás, son las sufridoras, junto a sus jóvenes hijos de los designios masculinizados de su ciudad o pueblo. Mujeres que lidiarán toda su vida, con los enfrentamientos tribales de sus parejas.
Como siempre, al final, solamente les quedará enlutarse y llorar.

Pues bien, la directora Nadine Labaki (Caramel) se niega a llorar sin más. Su manera de abordar la cuestión guerrillera es un ácido humor e irreverencia al sexo masculino. De forma imaginativa y simpática hace sonreír al espectador, con fineza e imaginativa narrativa.
Ésta, y aquellas mujeres, son alegres y "luchadoras" de la libertad a su manera. Disputando a sus hombres la hegemonía en esta batalla de sexos, usarán sus armas afiladas con la risa, el coqueteo, la música... y como no, el sexo si es preciso.

No están dispuestas a acabar con hijos amputados o moribundos por una bala marcada con su propia vecindad. Y vaya, si lo logran.
Gracias a Nadine Labaki... por su sentido del humor. Totalmente necesario.

*** Buena ***

Trailer del film bélico Lebannon, dirigida por Sumuel Maoz. Ganadora del León de Oro en Festival de Venecia 2009 y Mejor Fotografía en los premios europeos del cine 2010.


Trailer de la película 5 Días sin Nora, de la directora Mariana Chenillo. Mejor film del Festival Mar de Plata 2009.


Por último, un nuevo film francés Las Chicas de la Sexta Planta, con Premio César en 2011 para mejor actriz secundaria, Carmen Maura. Dirección: Philippe Le Guay. Reparto: Fabrice Luchini, Sandrine Kiberlain, Natalia Verbeke, y Lola Dueñas. Trailer:

miércoles, 23 de mayo de 2012

Un lugar para quedarse: La excentricidad.



Retrato de un excéntrico... "adolescente".

En el film This Must be the Place, se hace un reflejo de una vieja gloria del rock de los 70 y 80. Sin embargo, es una película dedicada a un concepto mucho más extenso... La excentricidad.
Para ello, sólo tenemos que echar un vistazo a su protagonista Sean Penn y la recreación de su personaje. Sin duda vamos a verle en algo muy diferente a lo habitual en la pantalla. Y no únicamente por la interpretación.

Dicha excentricidad se puede observar en la forma dirigir de Paolo Sorrentino (Campania - Nápoles), como se decide a hacer un montaje excepcional y con notas de épocas ochenteras, la música elegida para acompañar al siniestro Penn, una fotografía cercana al mundo onírico... etc.

Pero, además Sean Penn en Un Lugar para Quedarse, compone un artista diferente en la forma de pensar y actuar con los demás, de darle movimientos cercanos a los palmípedos, y sobre todo, una manera de expresarse que le dirigen a una senda donde se encuentran los elefantes ajados por los años. El cementerio de los excéntricos.
Como en aquella peli de Tarzán, que persiguiendo a un elefante enfermo y moribundo, se hallan frente al osario fantasmagórico donde van a parar las viejas glorias... del mundo artístico y del rock.

Por el contrario a Sean Penn parece que le queda cuerda para rato, aunque casi haya olvidado tocar su guitarra. Esto podrá ser una forma de castigo para sus detractores, pero también una penitencia. Pues, por mí no debe de acabar en una fatídica tumba artística. Se reinventa.
Podemos admitir que posee algunos tics y amaneramientos (en This must be the place, están más que justificados), pero en una estrella y magnífico actor, esto puede ser perdonado. Si elige papeles como John Smith.
Su interpretación recargada, proporciona al film un aire de misterio, pero también de compromiso con sus propias ideas sobre los sueños y la vida.

Así, John Smith, su personaje es un músico y cantante de vuelta de muchas etapas. Quemado por el éxito pasado, dentro de un mundo discográfico (mucho más industrializado y sumergido en la competencia económica). Se disvincula de muchas cosas pertenecientes a su generación, aunque su amaneramiento y comportamiento atípico, le ha anclado en aquellos tiempos en que una mayor pasión, la música, le manifestaba una forma de expresión del momento. Sin tener que hacerse demasiadas preguntas por el futuro.
Pero, algo en su historia excéntrica va a hacerle replantearse algunas cuestiones.
El miedo a envejecer y a la muerte. Tras pasar épocas de coqueteo con las drogas y la dama negra, cuando muchas otras estrellas musicales terminaron con sus brillantes carreras. Sin embargo, John Smith no perseguía el fanatismo ni la mitología. Él, simplemente vive. Con sus miedos pero vive.

No acabar como esas viejas glorias del rock, con el vive rápido y tendrás un bonito cadáver. Fue suficiente.
El miedo al compromiso le ha convertido en un individuo sin familiares herederos. Y la pequeña fortuna de antaño, se ha convertido en un viaje por las finanzas y las inversiones, que no son su mundo. Se tambalea en las gráficas de sus acciones y de tiburones financieros, siendo consecuente a su personalidad excéntrica, sólo busca mantener el estado de sus posesiones. Una vida lujosa, sin exhibicionismo.

Ese miedo a afrontar los retos importantes, le llevarán a una lucha contra el pasado. Y consigo mismo.
Esa excentricidad será el motor de los cambios futuros.
Sus andares extraños y su forma de expresarse (cercana en apariencia a la minusvalía mental), nos contagiará a los espectadores sus extraños momentos de lucidez.
Una lucidez intelectual cercana a la infantilidad. Pero, acaso no somos todos un poco niños.

*** Buena ***

Película musical con los grupos ochenteros del rock. Dirigida por Adam Shankman. Reparto: Tom Cruise, Gwyneth Paltrow, Alec Baldwin, Julianne Hough, Paul Giamatti y Amy Adams. Trailer Rock of Age:


El director Michael Haneke, con su nuevo trabajo a las puertas del Festival de Cannes. Reparto: Emanuelle Riva, Isabelle Huppert y Jean-Louis Trintignant. Trailer Amour:





lunes, 21 de mayo de 2012

An Prophet: Cine/fútbol mundos paralelos.




¿Profeta o Mesías?.


El film francés Un Profeta, ganadora del Festival de Cannes en 2009.

Nueve premios César. Nominada a los Globos de Oro y premio Oscar.




Definición de Profeta:
1) Se dice de la persona que contacta o tiene experiencia personal con Dios. Pudiendo ser un intermediario divino, comunicador de revelaciones en su nombre. También intercede por el pueblo ante Dios.
2) Persona capaz de predecir acontecimientos futuros (del griego profétes que significa mensajero o portavoz de otro. En Grecia, los profetas estaban abscritos a los templos, especialmente a los oraculares, y se encargaban de la interpretación de los vaticinios divinos.

(Para los judíos eran todos desde Moisés hasta David, mientras que en el cristianismo el primero sería Juan El Bautista y Jesús de Nazareth como profeta mayor. En el islamismo no sería tan relevante su papel religioso).

Vista esta definición, no encuentro fácil establecer una relación entre religiosidad y el título del film francés "An Prophete" del director Jacques Audiard. Si bien, el protagonista (de características islámicas) emprende una especie de visiones sin significado religioso. La relación, por tanto, no existiría entre el misticismo, y un delincuente habitual que puede llegar al asesinato.

El guión de la película tiene momentos de calidad, pues comienza de manera fulgurante. Sin dar un instante de tregua al espectador.
Interesante trabajo del protagonista novel que consigue acaparar toda la atención.
Sin embargo, la duración es un lastre difícil de lidiar. Para mí se produjeron momentos letárgicos hacia la mitad de la cinta.
Ya veremos, si otro día me veo con-movido de diferente forma con la película.

Creo que falla, cuando Jacques Audiard (director de la interesantísima cinta De latír mi corazón se ha parado) se aleja del convencionalismo de los films carcelarios habituales en Hollywood, para adentrarse por un estilo personal que no cubre las espectativas iniciales. A mi juicio.

Volviendo al tema místico de este post... Es cierto que el protagonista consigue algunos acólitos y llamará la atención sobre los capos de la mafia corsa (interpretado por un fantástico Niels Arestrup), mas no alcanza su liderazgo a través de la dialéctica, sino que observamos los movimientos de un sagaz oportunista y delincuente sanguinario.

Esta comparación humorística ha quedado algo obsoleta, a la vista de los cambios acontecidos en este año 2012. Pero, hasta nueva orden siguen intactos. Gracias.

Así, en la actualidad encontramos a los profetas modernos dentro del mundo futbolístico o político.
Ellos podrían ser los entrenadores (y quizás algunos deportistas) mediáticos con legiones de seguidores, para los que no importan sus acciones ni sus razones personales para dirigir a las masas.
Una simple palabra de sus labios, es suficiente para activar miles de cerebros. Guardiola o Mourinho son claras figuras.

Si Mou dice: "qué no está a gusto en un equipo... qué le paga... (no como a infinidad de parados, que buscan como alimentar a sus familias). Pues, yo le diría entonces que se vaya. Sí después, del cariño que ha recibido por los aficionados no es suficiente. Este "profeta", falla.
En cambio, Guardiola como Jesucristo, parece traicionado por su mano derecha. Paralelismos que parecen dibujados a conciencia.

En consecuencia el papel del joven Tahar Rahim, se acercaría más a la de Mesías o Messi. En lugar del profeta, Mou o Guardiola.
El primero posee esa especie de aureola divina, con un magnetismo entre los congéneres de sus características (mundo de los rateros y asesinos, en un paralelismo con el mundo del balón).
Da lo mismo, si su comportamiento a veces no es correcto. Tiene el poder de arrastrar a la masas con sus pies. "Algo" especial innato, que le protege.

Sin embargo, los Profetas. Da lo mismo, que se llamen "guardiolas o mouriños"... Parecen estar por encima del bien y del mal. Por que tienen la facultad de la oratoria y convencer a sus seguidores con la palabra. Aunque luego les acompañen los exitos deportivos.
Son portadores de esa especie de magia celestial. Con la misión de buscar nuevos co-religionarios por otras tierras.
Y es que el éxito es un duro contricante... Una ascensión más complicada que el Monte Calvario. A veces.
Yo creo que un parado, ya se conformaría con un poco de su "problema".

Al final, todo. El cine y el fútbol se convierten en dinero.
¡Qué desgracia más grande!. Aún así, Un Profeta es una película que no defrauda.

*** Interesante ***

El nuevo film de Jacques Audiard, Rust and Bone (Título francés: De rouille et d'os). Reparto: Marion Cotillard, Matthias Schoenaerts, Céline Sallette y Bouli Lanners.


viernes, 18 de mayo de 2012

Robert Redford. The golden Sundance Kid.


Festival de Sundance 2009


Robert Redford que grande has sido y sigues siendo, todo lo que tocas lo conviertes en oro. Has sido y serás grande en la interpretación, pero, cambias de registro y triunfas igualmente. Ya sea director de cine o de un festival como Sundance.
Tú creaste este festival como meca del cine independiente, y como un atractivo viaje. Pero, además todos los años nos muestra un ramillete de películas sinceras e interesantes.
Mi enhorabuena por el riesgo de los principios, aunque en los últimos años es cierto que ya han entrado en juego del "independentismo" las grandes distribuidoras y productoras.


Una space odissey, menor pero con mucho atractivo.

El film "Moon" es una obra con reminiscencias de la ciencia ficción de los años 70 y 80. Sin duda una agradable sorpresa, con escasos medios y grandes dosis de cariño a este género, por otro lado tan devaluado en la actualidad. Primer prometedor trabajo del hijo de David Bowie, el británico Duncan Jones, un joven ganador para el premio Bafta del cine británico.
La gran triunfadora este año 2009 del Festival de Sitges, como mejor película, guión y diseño de producción. Además, premio muy merecido para Sam Rockwell elegido mejor actor, en un papel adecuado a sus características introspectivas y algo enfermizas. Secundado por otro buen actor Kevin Spacey.

*** Buena ***

La huída imposible.

La coproducción a veces funciona, aquí se aúnan México, EEUU y Canadá.
La cinta "Sin nombre" también de otro director novel, el californiano Cary Fukunaga, de mezcla sanguínea japonesa con sueca.
Destacable su magnífico guión, que nos embarca por el mundo complejo y peligroso de las maras sudamericanas.
Con una fotografía fantástica por paisajes naturales y una "road movie" en ferrocarril salvaje de una chica hondureña. Una travesía sin concesiones desde el estado de Chiapas hasta EEUU, como radiografía de la inmigración y la violencia de estas bandas criminales. Ante sus códigos de actuación, difícil quedarse impasible.
Actores poco conocidos para esta tremenda historia de jóvenes asesinos, Paulina Gaitán y Edgar Flores.

Además, ganadora en Sundance 2009 al mejor director, y fotografía del brasileño también director, Adriano Goldman.

**** Muy Buena ****

El mejor montaje del romanticismo de los últimos años.

Y por último, esta "500 Días Juntos" dirigida por otro primerizo salido de las modernas hornadas del mundo del video clip, el estadounidense Marc Webb. Será el próximo realizador de la nueva aventura de Spiderman, intentando una renovación de saga llevada por Sam Raimi.

Puede confundir como comedia romántica, pero "500 días juntos" tocando uno de los temas universales de estos seres tan extraños, llamados hombres... y mujeres. Se decanta por el desamor.
Si dejamos de lado los paralelismos personales de cada espectador con el tema en cuestión (que es lo menos interesante a mi juicio, quien no ha enfermado de este mal en alguna ocasión), nos hallamos con una forma de enfocarlo muy original, entre el drama y la comedia.
Sobresaliente el montaje y la interpretación. Los protagonistas dotan de naturalidad a sus personajes, con química exportable de Joseph Gordon-Lewitt (famoso ahora por Inception y un nuevo detective en la próxima de Batman) y Zooey Deschanel. Por supuesto que los secundarios no desentonan, dotando de más empaque al conjunto del film (fantástica Chloë Morentz).

Por tanto, no se confundan. No tratamos con otra ñoña película romántica. Ni con una comedieta de tres al cuarto. Tiene momentos del gran cine de antaño, pasado por el tamiz de la actualidad.
Grandes diálogos que se adentran por el camino de la casualidad, del encuentro fortuito y la introspección anímica.
Y es que la vida es como una ruleta de la fortuna, donde la bolita puede caer en "500 días juntos". O separados.
2 nominaciones a los Golden Globe y ganadora al mejor guión de los Independent Spirit.

**** Muy Buena ****

Tres muy distintas películas, sin embargo, con calidad contrastada.
Mr. Redford, dan ganas de visitar su festival de Sundance de Salt Lake City y de paso esquiar unos días por sus paisajes montañosos (jeje, mataría por una invitación). Además, con Sitges y Chiapas, 3 lugares para descubrir y perderse.
Golden Sundance Kid por muchos años.

Mientras, se dedica a su última película como director y actor "The Old Man and The Gun" os dejo el trailer de una mítica... Ya no!


Una entrevista con Robert Redford sobre su nueva película, Cuando todo está perdido, dirigida por J.C. Chandor (Margine Call).


Otra de selección a Sundance: Tyrannosaur dirigida por Paddy Considine y por Peter Mullan y Olivia Colman. 

Tyranossaur:
2011: Festival de Sundance: World Cinema: Mejor director, Premio Especial del Jurado
2011: British Independent Film Awards: Mejor película, director y actriz (Olivia Colman)
2011: Satellite Awards: 2 nominaciones: guión original y actriz (Olivia Colman)
2011: Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor película extranjera.

Darren Aronofsky: Filmatografía.


Un director incomprendido, que ganaría un Oscar.

Cuando Darren Aronofsky crece en Brooklyn, de la mano de padres profesores de origen hebreo, descendientes de polacos, quizás ya tendría ese halo de intelectual.
Seguramente a sus 18 años comenzaría con una carrera contrarreloj para rodar su primer film Pi, hasta conseguir los 60.000$ que necesitaría.
Esta cinta narra la vida de un matemático judío llamado Max, que se obsesiona con descubrir un sistema numérico para controlar el caos que rige el universo. Sin duda una idea poco fácil de rodar en imágenes, y menos en blanco y negro.

Extraña, fría y provocadora... consiguió llamar en el Festival de Sundance, que reconoció a Aronofsky como Mejor Director en 1998. Algo tiene este magnífico festival que descubre a esta calidad de autores.

*** Interesante ***


2000: Nominada al Oscar: Mejor actriz (Ellen Burstyn)
2000: Nominada al Globo de Oro: Mejor actriz (Ellen Burstyn)
2000: Seminci: Espiga de Oro: Mejor película
2000: National Board of Review: Reconocimiento especial


Su segunda película, Réquiem por un sueño, aumentó su nivel de provocación. Con halagos y palos por igual según los críticos.
Trata los excesos de una extraña familia, y sus problemas con ciertos productos de consumo masivo. Provocando la alucinación, la adicción y hasta la repulsión. Unos actores en estado de gracia y una banda sonora recordada hasta la saciedad.
Se haría con numerosos premios, entre ellos la Espiga de Oro del Festival de Valladolid.

**** Sobresaliente ****


2006: Festival de Venecia: Nominada al León de Oro (mejor película)

La tercera en discordia, es su proyecto más polémico y metafísico, La Fuente de la Vida. Sin embargo, aunque soy un amante del cine reflexivo, esta película me descoloca y veo algunas lagunas en sus intenciones. Quizás necesitaría una explicación más extendida por parte de Darren Aronofsky. Una clase de maestría. Con momentos algo soporíferos y confusos, sin embargo, nunca falta de interés.
*** Interesante ***


The Wrestler o El Luchador.

2008: 2 Nominaciones al Oscar: actor (Mickey Rourke), actriz secundaria (Marisa Tomei)
2008: Globos de Oro: Mejor actor drama (Mickey Rourke), canción. 3 nominaciones
2008: Festival de Venecia: León de Oro a la Mejor película
2008: BAFTA: Mejor actor. 2 nominaciones
2008: Festival de Toronto: Mejor actor (Mickey Rourke)
2008: Spirit Awards: 3 premios: Mejor película, actor (Mickey Rourke) y fotografía

Me gusta hacer críticas de películas, cuando ya se ha pasado la época de su apogeo. Así, me puedo despachar a gusto, después de que la gente haya desarrollado todas las facetas de una auténtica maravilla. León de oro en el Festival de Venecia.

Coincido con la inmensa mayoría, en que Mickey Rourke hace el papel de su vida, pero tiene en su carrera muchos otros que le otorgan ser nombrado uno de los mejores y diferentes actores de la actualidad.
Sobre todo, porque se ha reconvertido a sí mismo. De ser galán y duro con cara de niño bueno, a una máquina de destrucción masiva. Desde la agresividad de Sin City, a la dedicación de un luchador. Construye un personaje con una actividad laboral, desconocida generalmente para el público europeo.
Es rudo, mas con toques de dulzura.
Sin embargo, estos rasgos le llevan a la asfixia de su familia y amigos.
Llegando a la posterior autodestrucción en esta magnífica The Wrestler.

Al igual que Henry Fonda en Fort Apache (debido a su oficialidad y profesionalidad militar) lleva a todos sus hombres al matadero; el personaje de Rourke destruye todo a su paso, sin casi quererlo, por la misma razón que Fonda. La necesidad de sentirse perteneciente a una casta. Y llevar ese espíritu, hasta morir con las botas puestas. Es la ley errática y atractiva de los perdedores con enorme personalidad.

No solamente es la gran interpretación de Rourke lo que hace grande esta película. Todos los actores están magníficos, sobre todo, Marisa Tomei.
Esta sí, que es una recuperación para el gran cine, The Wrestler y Antes que el diablo sepa que has muerto, apuntan de nuevo a sus más altas cotas.
¡Ojalá siga por este camino!. Y un recuerdo especial para Evan Rachel Wood (una de mis protegidas).
Por último y no por ello lo más intranscendente, es su director Aronofsky. Distinto, metafísico, difícil... Pero que da muestras de talento e inteligencia a raudales. Sabe utilizar todos los recursos del cine, la cámara, iluminación, música... y dirección de actores.
Y como es esa salida al ring, cine en estado puro.
Podemos estar ante uno de los grandes de la actualidad.
Para mí con The Wrestler ya alcanzado el pódium de la cinematografía. Ansioso espero sus impactantes nuevos proyectos.

***** Excelente *****


Cisne Negro.........
... otra de arena...

2010: 1 Oscar: Mejor Actriz (Natalie Portman). 5 nominaciones, incluyendo mejor película
2010: 1 Globo de Oro: Mejor Actriz (Portman). 4 Nominaciones, incluyendo mejor película
2010: 1 BAFTA: Mejor Actriz (Portman). 12 nominaciones, incluyendo mejor película
2010: Festival de Venecia: Mejor actriz o actor joven (Mila Kunis)
2010: 4 Independent Spirit Awards: mejor película, director, actriz (Portman) y fotografía
2010: Satellite Awards: 5 nominaciones, incluyendo director y actriz principal (Portman)

Mr. Aronofsky, un cerebro que no para, visualiza fotograma a fotograma su próxima película y avanza (con ciertos titubeos) su metraje como director genial.
Si ya le regaló en bandeja de ring, una nominación merecida el año anterior al gran Mickey Rourke en su "wrestler", ahora vuelve a repetir con Natalie Portman, en la piel de la reina de los cisnes.
Esta vez, tiene las puertas de par en par para conseguirlo (por su esfuerzo interpretativo y por escasa competencia de grandes nombres), y llevará una estatuilla dorada al legado de otro genio Pyotr Ilyich Tchaikovsky por su obra maestra. (Esto fácilmente vaticinado antes de otorgarse los afamados premios).
Portman da gracias a los estudios de ballet clásico, y tus esfuerzos para ponerte con la forma física adecuada. Sin embargo, no me gustan algunos guiños de actuación y, sobre todo, esta última mirada en los minutos postreros de la función.
Hay un cierto halo risorio. Lo siento, no puedo evitar sonreírme al verla.

En cuanto al "Cisne negro", posee la perfección en el uso de la filmación y el ritmo del montaje. La dirección de actores es la adecuada, pero, es a mi juicio una película con trampa.
Nos introduce en la dualidad cisne negro/blanco, Jeckyll and Hyde con falsete. Aronofsky nos engaña poniendo la atención en la revelación de la bailarina contra su madre (bien Barbara Hershey de la cual habíamos perdido la pista hace tiempo). Así como, el manido coqueteo con juegos prohibidos de sexo y drogas, poco creíble. Eso sí, a mayor gloria de su joven y exótica coprotagonista.
Al final es un juego para escondernos la realidad, la pérdida de su juicio por conseguir la perfección del artista. Loable pero muy maniqueo.

Por eso, Aronofsky me defrauda.
Se queda con la simplicidad y la comercialidad, usando un tratamiento bello y onírico, aunque de escasa originalidad. Raro en él. Recomiendo otra película sobre ballet, Las Zapatillas Rojas, sobresaliente cinta.
No obstante, el film tiene magistrales momentos en la recreación del mundo de la danza: camerinos, los ensayos, las lesiones... etc. Y grandes momentos con la Winona y sobre todo, la Hershey.
Un paso dubitativo en la carrera de Aronofsky, a Mí juicio. (Esto me va a llevar detractores lo sé).
Esperemos que el traspiés no le lleve a la ruptura del... cuello de Cisne.
Digo... del genio del cine.

*** Interesante ***

De la guapa y mi queridísima Jennifer Connelly, nos llega la cinta Salvation Boulevard. Con Pierce Brosnan, Ed Harris, Greg Kinnear y otra de mis debilidades: Marisa Tomey.

Otro film con Jennifer, titulada Un Invierno en la Playa (Stuck in Love) de Josh Boone. Reparto: Greg Kinnear, Jennifer Connelly, Lily Collins, Logan Lerman, Kristen Bell, Rusty Joiner, Spencer Breslin, Stephen King y Patrick Schwarzenegger.

Como no hay dos sin tres, Noah de Darren Aronofsky.

Drive: luces, contacto... acción. Nicolas Winding Refn.


Nicolas Winding Refn+Cliff Martínez (conexión Angelo Badalamendi) = David Lynch?

2011: Festival de Cannes: Premio al Mejor director.

Luces, contacto... acción.
Comienza "la carrera". Drive, arranca con fuerza (vaya 10min. iniciales), si se convertirá o no en obra de culto, ya lo veremos.
Es un film de acción sui generis, está rodada con algunos elementos que la hacen distinta al resto. Todo se desarrolla dentro del mundo del motor y... la mafia.
Pero, hay un hecho diferenciador, un romanticismo que se torna en salvaje. Aunque yo creo que el salto que protagoniza Ryan Gosling hacia su lado oscuro, no está suficientemente delimitado.

Drive - Tema 14 Hammer, by Cliff Martínez. 


Estas serían las 8 razones por las que merece ser considerada como una película notable:

1) Las películas de acción, no siempre tienen que tener aventura o persecución, sin más.
Cierto, no tienen porqué estar reñidas con el romanticismo.
En Drive, paralelamente a las escenas automovilísticas de alta tensión y violencia extrema, transcurre una curiosa relación entre los dos protagonistas principales. Y es que siempre ha funcionado en la historia del cine, como mejor binomio, chico-chica.

El director danés Nicolas Winding Refn, ya ha dado muestras de su capacidad para componer mundos decadentes, en los límites de la violencia aceptable, en su anterior trabajo Valhalla Rising.

2) Drive pone un listón inicial muy alto.
Ya que en sus primeros minutos de metraje, a través de un montaje excepcional, nos adentra en un nivel de suspense sin parangón.
Con un "in crescendo" apabullante. Lleno de tensión y buen construido su guión es obra de Hossein Amini, basado en una novela de James Sallis.
El suspense de una trama mafiosa marcha a velocidad medido, gracias a la mano (cada día más firme) de Refn coqueteando con el cine negro clásico. Aunque con los matices propios de la generación actual.
Increíbles las escenas de conducción (incluidos cauces secos, semejantes a Terminator 2) y persecuciones que cortan la respiración, con cuchillos asesinos.

3) Una banda sonora que acompaña perfectamente a la historia.
Y es que la música en Drive es esencial. Sin ella, y la estética, no sería el filme que recordamos.

Kavinsky - Nightcall (Drive: Original Movie Soundtrack)


Con matices de sonidos electrónicos y voces envolventes, o asincrónicas. Marcan con bases espirales repetitivas, los derrotes negros y románticos del film.
Un compositor que vuelve a mostrar elementos envolventes en su trabajo, su nombre Cliff Martínez. Antiguo batería de los Red Hot Chili Peppers y ahora compositor de películas como Traffic, Solaris o Contagio.
Me recuerda a la música de Angelo Badalamendi, y las atmósferas creadas para el genio David Lynch. Atractivos acordes con colorido a luces de neón de la gran ciudad.
Un gusto inquietante en nuestros oídos. Canciones de Kavinsky y Lovefoxxx, The Chromatics, Desire o College.
Sí una de las bazas más importantes de un film de culto, es una banda sonora edificante y atractiva... no cabe duda, Drive cumple con creces esa perspectiva.

4) Esa estética ochentera... Muy acertada.
Con ciertos toques de modernidad (sin duda, comprometida con la recreación de la banda sonora, aunque algunos echamos de menos unos acordes de guitarra eléctrica). Otro ejemplo:
The Chromatics "Tick of the Clock":


Todo calculado, en busca de una recreación más que sugerente.
Para una historia de estética a goma quemada y neones fluorescentes, ganan terreno, las chupas de piloto con estampas y colores vivos. Una estética que la otorgará la catalogación de película creadora de moda y estética... ya veremos.

5) Bum, bum, bum.
La tensión no para, la dosificación aumento.
Todo el metraje lo pasas, como cobijado por la historia. Esperando a que el mundo de Drive e Irene salte por los aires.
Así sucede, Nicolas Winding Refn te va a llevar por donde quiere a pesar de ser un joven director. Una carrera ascendente imparable.

Hay momentos que el guión pareciera estar cortado con un cuchillo de dientes de sierra, totalmente ochentero.
Pero, casi nadie esperaba tal estallido.
Cuando la violencia se hace dueña de la pantalla, te patea y arrastra por la butaca. El viraje en el cambio de dirección de los personajes deriva a individuos fuera de la ley, aunque mucho más obscuros.
(Quizás demasiado tajante el cambio violento, a mí me sobra alguna escena. Pero la mafia es la mafia).

6) Los protagonistas, una pareja para el recuerdo.
Ryan Gosling, en un papel controlado y salvaje cuando se requiere. Altas dósis de convencimiento traspasan la pantalla, haciendo que el espectador desde los primeros minutos simpatice con su carismático personaje. Y muchas caras impasibles (que pueden ser un peligro para su carrera en el futuro).
Sin embargo, en las generaciones actuales puede haber creado la imagen de un nuevo...
A Real Hero - College (b.s.o.):

Carey Mulligan siempre llama la atención (sea de rubia o de morena como en An Education o Shame). Pone la pausa y la frescura. Es la normalidad del trabajo bien hecho que contrasta con los caminos cercanos al "frikismo" de los demás personajes.

La colección magnífica de secundarios... ejecutores de sudor, sangre y saliva. Los rostros amables se tornan endiablados, sólo hay que tocar la fibra sensible para que los resorte del mal avancen. Money.

7) El film Drive, entronca con un mundo visualmente onírico, una pesadilla. Y aquí, el genio es David Lynch (la música de Cliff Martínez consigue el resto). A mí me recuerda a los mejores trabajos de Angelo Badalamendi.
Renf y Lynch, se dan la mano, por que ambos juegan a hacer sufrir y gozar al cinéfilo.
El personaje de Gosling, se parece a otros del mundo "lynchiano". Simplemente hay que echar un vistazo al Saylor de Nicolas Cage en Wild at Heart.
Homenajes que denotan una simpatía por la cinematografía del director americano, y de sus personajes, aparentemente simples, pero que en realidad son complejos, enfermos y diabólicos.
Nada de los diálogos pasa desapercibido. Todo nos percute en el cerebro, haciendo saltar nuestras conexiones sensoriales.
Desire - Under Your Spell (directed by Stefan Haverkamp) - Vídeo:


8) Una última cualidad... Una que a mí, personalmente, me apasiona. El mundo del cine dentro del cine. En este caso, encarnados por los pilotos de doblaje.

Creo que va a haber una oleada de acercamientos a la obra anterior, del danés Nicolas Winding Refn.

**** Notable ****

El trabajo de Ryan Gosling junto a Nicholas Windin Renf, su título Only God Forgives.
Teaser Only God Forgives, de Nicholas Windin Renf. Reparto: Ryan Gosling, Kristin Scott Thomas, Yayaying, Vithaya Pansringar.

Por otro lado, el mismo actor repite con el director Derek Cianfrance (Blue Valantine), con el filme The Place Beyond the Pines. Reparto: Ryan Gosling, Bradley Cooper, Eva Mendes, Ray Liotta, Rose Byrne, Ben Mendelsohn, Bruce Greenwood y Dane DeHaan.


Kavinsky - Nightcall

jueves, 17 de mayo de 2012

The Cove: Animales en cautividad y otros desastres.


Investigando la matanza de delfines.


Ganadora del Premio de la Audiencia en Sundance 2009.
Ganadora del Premio Oscar de la Academia en 2010, categoría mejor Documental.

Desde que el Hombre puso sus pies bípedos sobre la Tierra y empezó a investigar el planeta a su alrededor, sintió la necesidad de alimentarse de lo que la Tierra le ofrecía, sin tener una conciencia natural del problema futuro. Sí, necesitamos proteínas y grasas para resistir los envites de la oxidación celular o la climatología, pero muchos milenios después también sentimos que formamos parte de este increíble medio ambiente que disfrutamos, único y unido, que deberemos mantener para la supervivencia de las especies que en él habitamos.
The Cove cuenta la historia de esta lucha entre la supervivencia de las especies y la resistencia racional a un desastre anunciado, si no podemos conservar a nuestros amigos los animales y del sacrificio injustificado hoy. En una época en que los avances tecnológicos adaptados al consumo humano, junto a la agricultura y ganadería sostenibles, debe producir una revolución natural de nuestros recursos hacia el respeto al mundo animal, que sería necesaria para una fauna salvaje en paz y libre en su propio ecosistema.

Sin duda visualizar el documental The Cove, es una experiencia inquietante y sobrecogedora, sobre la matanza de delfines para la producción comercial sin tapujos. Gracias a un grupo de personas dedicadas a la protección animal y a la distribuidora estadounidense Lions Gate Enterteiment, fundada en Vancouver, la Columbia Británica y Canadá, este documento gráfico y trágico, no deja títere sin cabeza en la lucha contra un asesinato masivo.
El director Louie Psihoyos (un ex-fotógrafo de National Geografic con una larga carrera profesional de 17 años, y licencia de buceador profesional) dirigió The Cove en 2009 y se trasladó acompañado de un equipo de investigación formado por profesionales del mundo fílmico y científico, al parque Nacional de Taiji (región de Wakayama-Japón).
Su distribución fue censurada, por la crudeza y denuncia de las imágenes, con fuertes manifestaciones y agresiones a trabajadores de un cine de Tokio, por parte de colectivos nacionalistas de derecha y un sospechoso silencio para tener alejada la curiosidad de la sociedad japonesa. Australia se vería obligada a suspender su hermandad con dicho puerto, tras las proyecciones. Por fortuna, en la actualidad, este decidido documental sobre la protección del mundo marino es un hecho y ha podido propagar sus imágenes por los medios de comunicación y los cines del mundo. Hoy se vuelve a emitir a las 22h. en el canal Discovery Max, no te lo pierdas.

En una primera parte más intimista, las imágenes viajan al pasado y la vida del entrenador de delfines en el acuario de Miami, Ric O´Barry. Participaría con algunos especímenes de delfín mular, entre ellos la protagonista del documental Cathy, estrella a la fuerza en la famosa serie americana Flipper.
La serie le proporcionaría gran fortuna y la fama. Pero, un día el éxito se derrumbaría entre los retratos cinematográficos, los aplausos de los niños y acrobacias de sus cetáceos. Sobre todo, una nueva forma de ver la vida en cautiverio de tan magníficos animales que llega hasta nuestros días, y le cambiaría radicalmente.
Ric hace un repaso a como consiguió abrir sus ojos a sus amigos animales, con los dañinos y estresantes trabajos que repercutían en la salud de aquellos delfines en cautiverio. Ya nunca más, volvería a trabajar con animales de aquella manera.
Creó la organización internacional Dolphin Project para la liberación natural de los delfines y ballenas en cautiverio, declarando la guerra a la explotación en shows televisivos y en vivo. No queda más remedio que apoyar su lucha, contra la plaga de los seres humanos.

Lo realmente impactante de The Cove, si no es suficiente con alguna lagrimilla, está por llegar en los siguientes minutos editados de esta producción. Con una preparación minuciosa de los profesionales en la naturaleza, técnicos en filmación y los medios o avances a su alcance, preparados para el combate mediático, empiezan su viaje hacia la libertad. No sin pasar vicisitudes denunciables, algunos malos momentos al ser detenido en la isla de Bimini por las autoridades, en favor de los pescadores y su acción degradante, con agentes avisados de su presencia.
Pero, su determinación no fue minada en absoluto con los primeros problemas y se prepararon más a conciencia. Apoyados por técnicas militares y los avances tecnológicos actuales adaptados al medio marino, se prepararon en una misión suicida en favor de la vida, a la par que agobiante y espectacular en sus resultados filmados. El combativo naturalista, se rodeó de artistas en efectos especiales de la empresa KernelFX (escindida de su progenitora y mundialmente famosa Industrial Light&Magic), para el camuflaje de los equipos, los hombres y cámaras dispuestas para mostrar una masacre, sin ser controlados y delatados.

Los delfínidos son unos cetáceos que comprenden unas 34 especies distintas. Estos carnívoros de medidas entre 2 y 9 metros, son reconocidos como la segunda especie más inteligente del planeta Tierra. Con una capacidad intelectual y medios ecolocalización extraordinarios. Gracias a sus finos sonidos y sus increíbles saltos y danzas, nuestros amigos se comunican, orientan y cazan sus presas.
Además, su explotación ha sido asignada en proyectos militares y anti-espionaje. Una parte positiva es la conjunción de su simpatía hacia los hombres y especialmente el cariño a los niños con problemas del tipo autismo (delfinoterapia).

La última parte, es la más dura y polémica. Las imágenes de la matanza son reales. (No recomendable visionar a personas muy sensibles con la efusión de sangre o el daño a los animales, pero si necesaria para su conocimiento mundial y protección por las autoridades).
Aquí es donde surgen los problemas burocráticos con la industria pesquera de los países que incentivan estas capturas o miran hacia otro lado. Se denuncia en la cinta, un posible envenenamiento en la población por el consumo de carne de ballena y delfín con altos niveles de mercurio, la compra de votos de Japón en la IWC (Comisión Ballenera Internacional) para silenciar la masacre, o de otros países con poco peso y también con derecho a voto. Entre ellos estaban Camboya, Ecuador, Eritrea, Guinea-Bissau, Kiribati, Laos y la república de Islas Marshall.
La industria pesquera se defiende de la enérgica protesta de Ric O´Barry y su organización, con equivalencias con otras formas occidentales en los métodos de alimentación y la manufacturación cárnica de otros animales como vacas, cerdos, etc... Para nada comparable, evidentemente.
La pesca en Japón es una de las principales actividades económicas del país. Se reafirma en sus procedimientos debido al tradicionalismo en la historia de las capturas marítimas y el abastecimiento alimentario. Sin embargo, no tiene en cuenta la mayor característica distintiva de los delfines, su superior inteligencia con otras animales. Ni la necesidad imperiosa de proteger el gran mercado marino, para evitar su agotamiento o incluso la desaparición de algunas especies muy dañadas, en estos periodos de explotación masiva.

Por tanto, nuestro apoyo a su dedicación y esfuerzo en cambiar estas masacres de cientos de cetáceos. Su protección es indispensable para hacernos crecer más humanos, y unos carnívoros menos invasivos con el mundo natural.
Seguro que, algunos, ya no veremos de igual manera, a esos espectáculos sin cadenas aparentes, en los acuarios repletos de gradas con jóvenes sorprendidos con un espectáculo no comunicado del todo. Hoy, los pequeños están más concienciados y la enseñanza en las aulas sirve para mantener el respeto a la fauna salvaje, por tanto, ya no verán las imágenes con la misma visión simpática y evasiva de antaño.
Nuestros amigos los delfines, y nuestros hijos, nos lo agradecerán con su mueca sonriente.

***** Excelente *****

Postdata: Este comentario está dedicado a todos los que luchan por la vida animal desde cualquier plataforma y con los medios que tengan a su alcance (normalmente escasos), en especial a una vieja amiga enamorada de los delfines y del documental The Cove. Ana sigue disfrutando de tu pasión junto a ellos. :). Save the Earth!!

Tráiler Demain (Mañana) de Cyril Dion y Mélanie Laurent:


Un hombre llamado Phillipe Petit, osó desafiar la ley de la gravedad. Quería cruzar en un alambre de una torre gemela a otra, está es la historia con la que el documental Man on Wire, ganaría el Oscar del 2008:


El documental ganador en 2005 sería El Viaje del Emperador. Un bello relato de la supervivencia de los animales en libertad.

HOME: La Tierra y la sequía desde los cielos.


Un documental IMPRESCINDIBLE.

El documental del francés Yann Arthus-Bertrand, "Home" intenta responder a las preguntas básicas, con las que se debe realizar cualquier investigación periodística.

Para ello, aporta datos contrastados (lógicamente desde la vertiente del ecologismo, aunque no de forma beligerante), que nos ayudan a concienciarnos de la subida de temperatura en el planeta, y como esta afecta a todos los organismos vivos del mismo.

¿Quién?. Los seres humanos.
¿Dónde?. En "home". Nuestra Tierra.
¿Cómo?. Con actuaciones egoistas en unos casos y de supervivencia en otros. ¿Cuándo?. Durante los últimos cincuenta años.
¿Por qué?. La Tierra es nuestra casa, y por eso, estamos haciendo lo que queremos en ella, sin importarnos su devaluación ni el legado que dejaremos a próximas generaciones.


Posee una colección de imágenes increíbles, con un relato de los hechos (a mí me parece honesto) que aportan datos continuos de los excesos en la producción e industrialización.

Imágenes desde el cielo, impresionantes.
Un recorrido por 50 distintos países.

Aunque, claro, esto va acompañado del aumento paulatino de la población y de la pobreza.
Y de la necesidad de agua para la vida.
Creo que las próximas guerras serán por la posesión del preciado líquido vital (Israel-Palestina-Líbano, etc...).

Por cierto, no veas la versión en castellano, no es muy recomendable escuchar a Shalma Hayek recitando, o no se qué, narices hace.

Por tanto, un nuevo documental de producción francesa, que llevan algunos años siendo los mejores en este tipo de cintas y que intenta hacer despertar las conciencias... con datos reales, señores.

Ya estamos avisados, pobres plantas, animales y ... ¿hombres?.


Imagen captada desde la ISS, de la Antártida cubierta de un mar de nubes:


***** Excelente *****









Qué pequeños somos... Imágenes captadas con el Telescopio Atacama Pathfinder Experiment (APEX), de la región que rodea la nebulosa de reflexión Messier 78, justo al norte del Cinturón de Orión.




El gran Werner Herzog, nos traerá otro documental de producción francesa. Su sugestivo título, La cueva de los sueños olvidados, viene procedido de numerosos éxitos en festivales. Posible candidata a ganar el Oscar 2011:



Como no presentado en Sundance... Os recomiendo, para quién no lo haya visto aún... El documental Grizzly Man, de Werner Herzog. Ya han pasado 5 años, pero su poder sigue cautivando:




La naturaleza contra el progreso. En tiempos remotos, los hobbits, vuelven a la lucha contra el mal: The Hobbit, An Unexpected Journey.


Trailer del interesante documental de Wild Bunch y el director Patrice Pooyard, Revelation of the Pyramids.


Ríndete Mañana es otro documental que ha participado en numerosos festivales. Premio del Público en Tribeca. Distribuido en España por Avalon:

También la lluvia: dos pelis sobre Cristobal Colón.




Iciar Bollaín: visión polémica y bella del descubrimiento.

En este film, desde luego, Iciar Bollaín se moja con la lluvia. Su visión del descubrimiento de América ha resultado polémico, pero interesantísimo. Hay defensores como yo, pero también grandes detractores. Y es que Iciar dibuja una figura teatral y bastante radicalizada de Colón.

Los detractores la defenestraron y compararon con su competidora en los premios Goya.
La lucha Celda 211, fue demasiado grande para una película de crítica social al uso. También dijeron que no hace justicia con algunos personajes históricos, que si Celda 211 es mucho mejor película (para mí ésta tiene una parte final bastante discutible), que si Luis Tosar hace un papel fantástico...
En fin.

En Cinecomio nos pareció una notable película. La verdadera protagonista de la cinta (además del agua por supuesto), es Iciar Bollaín.
Una de las dos mejores directoras del cine español (la otra sería actualmente Gracia Querejeta).
Iciar propone la idea siempre atractiva, del cine dentro del cine. Los problemas de un difícil rodaje... en la escena de un conflicto real que arrastra a sus protagonistas novelados y dirigidos en dos ámbitos.

Claro que no es sólo, una denuncia social al uso.
A Iciar le interesan también otras cosas. Así mismo, demuestra gran capacidad de su equipo de fotografía y una dirección de los actores escrupulosa. Sacándoles lo mejor a cada uno de ellos.
Muy bien Gael García Bernal y, sobre todo Karra Elejalde. Me parece el contrapunto con su humor irreverente y surrealista, que como pueden ver en mi blog es muy atractiva para mis intereses.
Además de una sorpresa con caracter Juan Carlos Aduviri.

La variante del rodaje de la película sobre el viaje de Cristóbal Colón, estalla con una guerra del agua, en plena región de Cochabamba en Bolivia.
La cinta va increscendo. Aquí se critica la flagelación continua de las comunidades indígenas. No de forma personalizada con el film desarrollado en paralelo, sino más bien como relato verdadero de la injusticia y expropiación de sus recursos naturales. En cualquier región de la Tierra.
Se cuestiona la especulación de "compañías" extranjeras. Creando un líder con abnegación por parte de Aduviri.
Trabajadores en lucha para afrontar la frustración de su pueblo y superar la escaseces económicas de su fuerza sindical.
Por tanto, Adiviri emerge como actor de poderío visual aunque desconocido para la gran pantalla.

Iciar no defrauda casi nunca (suyas me interesan mucho Te doy mis ojos o Mataharis).
Sabe arroparse de un gran equipo técnico y de intérpretes reconocibles o no.
Karra, ese descubridor, con sus diatribas internas. Quién dice que Colón no tuviera también sus dudas.
Yo no tengo ninguna "También la lluvia", quizás, sea la mejor película sobre Cristobal Colón.

**** Notable ****

Los Amantes Pasajeros, de Pedro Almodóvar. Tráiler:


A Puerta Fría, de Xavi Puebla. Reparto: Antonio Dechent, Nick Nolte, María Valverde. Tráiler:


Tráiler de Los Últimos Días, de Àlex y David Pastor. Reparto: Quim Gutiérrez, Jose Coronado, Marta Etura, Leticia Dolera.

Up: una joya dentro de una notable película.


Pixar incrementa su leyenda.

Si juntamos a una de las productoras de cine infantil de mayor éxito y con unos guiones fiables para "todos" los públicos, Pixar. Con el director de Monstruos S.A. y guionista de algunos de los mejores títulos Toy Story, Monstruos S.A. o Wall-E, y el guionista de Buscando a Nemo. Pete Docter y Bob Peterson. Se produce un milagro mágico, dentro de una película.


Como no iba a ganar premios: Oscars como mejor película de animación en 2009 y b.s.o. Exactamente igual que Globos de Oro y Bafta. Un éxito de recaudación en todo el mundo.


A partir de una sencilla y emotiva premisa... una promesa incumplida.
Pixar da profusas y coloridas pinceladas, a las clásicas películas de aventuras de Hollywood. Vuelven con nuevos bríos las novelas de Verne o Salgari.
Por que Up, nos lleva como niños mayores a escudriñar los senderos (ya casi olvidados) de aquellos films de antaño. Aventuras con magia. Naturaleza y amistad.
Protagonista que entronca con un Bogart en su reina de Africa, un Connery duro como aquel hombre que pudo reinar. Este entrañable abuelito emparentado con el futuro, nos traslada de nuevo a esas epopeyas, donde todo puede ocurrir.

Con Carl Fredricksen (interpretado en su v.o. por Edward Asner, tantas y tantas series de Tv a sus espaldas), y sus inseparables amigos de aventuras (donde uno de los directores del film y también doblador de voces participa en la banda sonora). Participamos de un viaje inaudito, que no... que ha ocurrido algo parecido en esta vida loca. En serio. Pues bien, nos adentramos en un mágico reino de Oz, donde prevalecen las emociones, la comicidad y un mundo con una paleta de infinitos colores de fantasía.

A la vez, este film se hace grande por emparentar con la comicidad física de los grandes: Chaplin, Keaton, LLoyd, El gordo y el Flaco y otros muchos menos conocidos. Igual de estimables bajo el fulgor de las candilejas maestras, las fachadas a la deriva, los ejercicios en las alturas, etc... etc.
Así con Up vamos pasando por distintos estados de ánimo, y consigue la maravillosa cualidad de cambiarnos la sonrisa por la lágrima con absoluta simplicidad. Pero, con absoluta brillantez.
Los primeros veinte minutos de metraje son un recital de esto, (como ya ocurría con Wall-e) y un trabajo de guión perfecto. Convierten su primer rollo de película, por sí solo, en un una pequeña obra maestra.

Me parece este comienzo, una nueva joya de la portentosa imaginación de este fantástico ramillete de directores y animadores de la factoría Pixar. Increíble las sensaciones en tan corto espacio de tiempo.

El resto del film puede gustar más o menos. Puede poseer algunos momentos en que decae su pulso. Sin embargo, no cabe duda, que sus personajes entran por la puerta grande en las vitrinas del séptimo arte. Formando ya desde este momento, parte del imaginario colectivo de los aficionados y cinéfilos.
De la animación y parte técnica no es necesario hablar. Absoluta perfección.

Lo que nos depara el futuro de Pixar, tras una increíble tercera entrega de Toy Story y otra fallida que se veía venir de Cars. Serán seguro nuevos trabajos de calidad. Eso esperamos siempre de ellos. Cada vez les ponemos el listón más alto.

Cuando Pixar y sus equipos de rodaje encaran nuevos personajes e historias, no hay quien los iguale en emotividad y magia.
Ah, por supuesto, sin olvidar los cortos. Otras verdaderas joyas de la animación, como el que acompaña a Up, en los cines.

No hablo de alguna pequeña cosa que no me gusta, porque ahora no me apetece. Con humor...
Por último, un pequeño tirón de orejas a algunos aficionados a la animación.
No entiendo meter todo en el mismo saco. Comparar sus películas con otras, de otras sensaciones y presupuestos, como Avatar o los filmes de Miyazaki, es erróneo a mi juicio.
Ya que si bien todos tenemos un crítico en nuestro interior, una cosa es criticar y otra mezclar distintos géneros. El mundo virtual y aventurero tiene espacio para todos los directores. Sin importar sus diversas visiones de la vida o la educación de sus sociedades.

Así que a ver películas de calidad con "dibus".
Las obras cuidadas de carácter infantil son atractivas también para los adultos. Si no, mirar a este Carl Friedricksen... tiene el fondo de un niño lacerado por los años.

En definitiva, larga vida a Pixar.

**** Muy Buena ****

Tyrannosaur: redención o... peliculón.


Entre dinosaurios anduvo el juego.


Premios Tyrannosaur en 2011:


Festival de Sundance: Mejor director y Premio Especial del Jurado.
British Independent Film Awards: Mejor película, director y actriz (Olivia Colman).
Premios BAFTA: Mejor debut británico.
Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor película extranjera.



Cuando en muchos países del mundo, los paleontólogos suman fuerzas para encontrar los fósiles de seres y animales prehistóricos, llega este nuevo director Paddy Considine (desde las mismísimas entrañas del Festival de Sundance)... y nos muestra los huesos de un dinosaurio sin tener que excavar en la compacta tierra.
Personajes agraviados por las dificultades económicas, que pertenecen a la casta de los abandonados. El aislamiento y la soledad en compañía, son las reseñas para visionar esta incómoda, pero notable película.

Sí, es cierto. Atravesamos una época de crisis recesista tanto en lo político-social, como en lo económico. Una maquinaria de fabricación de seres antidiluvianos, con sus huesos ajados por el desgaste y el rostro ensombrecido por los años padecidos. Y es que, Tyrannosaur no es una muestra optimista precisamente de nuestra sociedad. Es un golpe bajo al espectador, una patada en las débiles entrañas del ser humano.

Aquellos huesos de ancianos animales enterrados, algunos mueren "in situ" y su registro queda marcado para la posteridad, conservan sin remisión los mismos degastes que sufren los protagonistas de esta agria historia. (Guión del mismo Considine). Unos sufrieron una muerte inesperada en vida, por accidentes geológicos o climatológicos quedando atrapados en su molde inmortal.
De igual forma en Tyrannosaur, el recital interpretativo de Peter Mulan nos deriva hacia a un velociraptor mortífero.

El personaje de Joseph es un ser creado por sus circunstancias en la vida, preparado para cazar y cuya misión principal se ha convertido en la depredación de sus congéneres. Sin duda... la naturaleza es peligrosa, pero a diferenciación con aquellos otros dentados cazadores, el personaje de la película es un ser racional. O debería serlo.
Además, ha muerto en vida ya hace algunos años. Embalsamado y estático. Unos años que ha permanecido conviviendo con un debilitado tiranosaurio (magistral metáfora).

La crueldad del film (no es apta para los paladares más delicados), es un velociraptor que parece despistado, sin embargo, está preparado para dar el mordisco final en el cuello del desprevenido público.
Los depredadores y las víctimas, tanto dentro como fuera de la pantalla, se cambian los papeles a conveniencia. Nada es lo que parece en Tyrannosaur. Como en la vida, la recreación de los métodos de supervivencia se reflejan con cruda realidad.

Así, Peter Mulan y Olivia Colman se desgarran por dentro. Y la fauna alrededor, es variopinta y característica de los territorios enfermizos. Algunos encontrarán la redención del espíritu, otros el duro suelo.
Pero, como he comentado anteriormente, la apariencia exterior no es siempre la regla. En un barrio de condiciones habitables salubles, aseado y deseable para la creación de un cómodo hogar, se pueden encontrar los monstruos. Depredadores humanos, mucho más voraces que raptores y tiranosaurios.

Somos monstruos a veces, la verdad. Entonces, necesitamos un reajuste de la prioridades individuales. Aunque ello nos cueste la soledad, o incluso la privación de la libertad.
Sólo añadiré que nos hallamos ante una cinta provocadoramente salvaje. Unos grandes recitales interpretativos de la pareja protagonista. Una enorme capacidad del magnífico Festival de Sundance para acumular interesantes obras de calidad (mejor director y Premio Especial del Jurado).

Y que la violencia contra nuestros vecinos, llegando a la brutalidad contra los débiles y los animales, solamente podría sanarse con... una sonrisa.

**** 
Rodaje de Welcome to the Punch. Nuevo trabajo de Peter Mulan y segundo del director Eran Creevy. Reparto: James McAvoy, Mark Strong y Andrea Riseborough.


domingo, 13 de mayo de 2012

La Sombra de la Traición: o The Double para dar pistas.



Vehículo comercial para Richard Gere.

Mis agredecimientos al departamento de prensa de Aurum (distribuidora del film), éstos no son por el nivel de la película dirigida por Michael Brandt. Son por haberme facilitado mi primer pase. De bien nacidos es ser agradecidos...


Durante la duración (1 hora y 38 minutos) de The Double, tienes la impresión de que esta historia ya la has visto unas cuantas veces en el cine. Y te vas anticipando a una gran parte de los hechos. Sin embargo, una tarde tonta te puede proporcionar un entretenimiento sin más.

Nos hallamos con un agente retirado de la CIA (Richard Gere) que se ve forzado a retomar viejos asuntos pendientes, y acompañar a un jóven agente del FBI (Thopher Grace) a la presencia de su jefe. Martin Sheen, siempre le procesaré un especial cariño.
Se verán envueltos en la captura de un antiguo asesino profesional del KGb, Cassius. Nada nuevo al aparato.

Mi interés por el actor Richard Gere, oscila entre unos comienzos prometedores (en esos momentos intrepreta papeles para directores como: Richard Brooks, Akira Kurosawa (con una película a reivindicar Rapsodia de Agosto, Terrence Mallick en Días del Cielo, Robert Mulligan, John Schlesinger, Francis Ford Coppola, etc...).
A su inclusión en productos comerciales para explotar su atractivo para las mujeres. Se dedica a comedias romántico-sosas, acción sin pretensiones y su empeño para hacer saber que llorar en pantalla no es lo suyo...

Una pena. Aunque en los últimos tiempos parece que empieza a tomar registros más acordes con sus canas. Y eso para mí, tiene su valor.
La Sombra de la Traición podía estar integrada en estas últimas (I´m not here, Los amos de Brooklyn o Siempre a tu lado). Pues, si bien no es nada del otro mundo, al menos, entretiene. Y es que el guionista Derek Haas, ha dado pocas muestras de talento en sus anteriores escritos. Acompañado en la faena por el propio director no sé en que porcentaje de participación.

Ya que si bien, el comienzo es interesante, con acercamientos al manido género de investigaciones relacionadas con el espionaje, acabará transformándose en su parte final en una típica historia a la que nos hemos adelantado en su resolución. Lo que puede entretener son un par de giros para despistarnos de su cometido.

En definitiva, The Double es un film para pasar un rato de aburrimiento, y que cuando haya terminado, habrás olvidado sin más.
Pero, como hoy he aprobado otra película en su visionado titulada (Columbus Circle), me siento generoso... Y trataré con parecido resultado a esta...

** Pasable **

Richard Gere se presentará en el Festival de Sundance con la película Arbitrage. Debut del director Nicholas Jarecki. Interesante reparto: Richard Gere, Brit Marling, Tim Roth, Susan Sarandon y Laetitia Casta. Presentación:


Por otro lado Topher Grace, el copartener en The Double, estrenará The Giant Mechanical Man. Otro debut en la pantalla grande del director Lee Kirk. Reparto: Jenna Fischer, Chris Messina y Malin Akerman. Trailer en Inglés:


Con el buen tiempo ya se van acercando los estrenos más comerciales. Uno de ellos, será MIB 3. Ataca de nuevo Barry Sonnenfeld, con los hombres de negro y algunas caras distintas. Reparto: Will Smith, Tommy Lee Jones, Josh Brolin, Alice Eve, Michael Stuhlbarg y Emma Thompson. Trailer:







martes, 8 de mayo de 2012

Les Lyonnais: A gang story, basada en una hecho real.



La delincuencia de la raza: A Gang Story.

Esta es el cuarto largometraje del director y actor francés Olivier Marchal (desconocidas para mí sus distintas facetas hasta el momento), en ella, se nos propone seguir los acontecimientos sucedidos durante la vida de delincuentes reales. Un viaje por épocas de armas, drogas y prostitución, y alrededor de una colección de títulos de potencia rockera en su banda sonora.
Nos propone una cuentión legítima (y de por sí esencial) en la vida de todo ser humano, resumidad en globalidad universal por una palabra. Amistad.

Así, este término conlleva consecuencias en un largo recorrido de los años, puede producir desarraigo proveniente de la incompatibilidad de caracteres. Los años pueden cambiar a cualquiera.
Ya que en lo referente a las necesidades amistosas de cada uno y de rodearse de personas que complementen nuestras vidas, pueden acontecer hechos determinantes que tiren por tierra, las cadenas inquebrantables de la amistad.

De eso trata, el film Les Lyonnais. Se pueden vivir... vidas enteras, creyendo en esos hermosos lazos. Pensamos que por muy grave que sea la situación, no se desunirán. Y, sin embargo, ¿estamos equivocados?.
Tal vez, porque cuando el diablo interior de nuestras consciencias, nos susurra palabras como: fatalidad, error, falsedad, o... traición. Los lazos pueden ser de papel.

Esa majestuosa "farsa" compuesta por siete letras: AMISTAD.
Los años transcurridos van cayendo como losas en cada letra. Su fuerza inquebrantable se evapora. Al final cuando estás cara a cara con la realidad, la verdad. Solamente queda un indeleble rastro de dolor en el corazón. Y el rostro del actor Gérard Lanvin, lo refleja a las mil maravillas. Las huellas en su rostro de pesadumbre, pueden marcarle para el resto de sus días... O si eres positivo, se transformará en una enorme liberación de esas engañosas cadenas amistosas.

El reparto de Les Lyonnais es sin duda lo mejor de esta obra violenta. Todos sus actores demuestran una amistad por su director Mr. Marchal, pues se mimetizan en la piel de estos delincuentes peligrosos. Salidos desde las mismísimas entrañas de los barrios marginales de la ciudad de Lyon, en distintas etapas de sus actividades armadas. (Incluidos desplazamientos por "negocios" a la soleada Marbella). La Marbella conexión.
Estas actuaciones activan el mecanismo necesario para atraer nuestra atención durante todo el metraje. No sólo Lanvin o el siempre correcto Tchéky Karyo, todos sus participantes cumplen a la perfección sus funciones.

Es bastante suficiente para incluir la película en la mitad hacia arriba, de la escala del 10 en películas sobre bandas delincuentes formadas por familias. Una lista encabezada por Scorsese en su trilogía sobre la mafia italiana, aquella Érase una vez en América de mi querido Sergio Leone que también se consideraría Uno de los Nuestros.
Les Lyonnais destila la violencia, el recorrido a través de una vida en el filo de la ley, las traiciones y las mentiras correspondidas con el honor perdido.

Aunque es una buen film, es razonable esa posición en la mitad de la lista. Pues, la película posee unas determinadas secuencias en flash back durante distintos tramos que son totalmente superfluos, y por tanto, prescindibles. Así, lo creo yo, su resultado final es afeado por ellos.
Una película que hubiera podido ascender algunos escalones más, en el podio gansteril.

*** Buena ***



Rémi Bezançon (El Primer día del resto de tu vida) nos acerca a la paternidad con su nuevo film Un Feliz Acontecimiento. Trailer:



viernes, 4 de mayo de 2012

Adam: No es Forrest, corre Adam.



Una agradable sorpresa llamada Adam.

El amor...

Esa pequeña pero inmensa sensación interior que te pone la vida del revés.
O eso dicen...
Cuando estamos junto a la persona con la cual compartimos confidencias, amistad o pasión, le dan ese nombre.
No lo tengo demasiado claro. Quizás, sólo se trata de una cuestión química de la maquinaria neuronal de deseosos organismos por evitar la soledad...

Sin embargo, se pude corroborar que la mayor concentración de nuestros impulsos son procesador por un órgano prodigioso, el cerebro. (Otros dan protagonismo al corazón y en parte tienen razón por la aceleración del ritmo cardíaco).
Dentro de nuestras seseras, tenemos este núcleo de procesos ideológicos, una maravillosa masa que nos diferencia intelectualmente de otros animales (al menos cuando se utiliza para los placeres y el conocimiento).

Además, como percursor de nuestros sentidos nos avisa con anticipación de los riesgos y controla nuestros miedos. La experiencia del conocimiento.

Pero, ¿qué ocurriría si nuestro mecanismo funciona irregularmente?. No responderíamos a los estímulos externos, por mucho que lo intentara la persona con la que compartimos las alegrías y las penas.

Adam.
Se convierte en el omnipresente protagonista de esta pequeña y agradabilísima sorpresa cinéfila. El actor que cuadra un notable trabajo en este personaje, Hugh Dancy empieza a tomar un cierto peso en la industria del cine (Martha Marcy May Marlene y próximamente con la divertida Hysteria).
De igual forma, convincente su copartener Rose Byrne (Sunshine, Señales del futuro) poniendo el contrapunto a una relación, diferente e "insensible". No creáis.

Los que me vais siguiendo a menudo, sabéis de mis gustos por los filmes independientes de calidad (a veces realmente enfermizos). Este viene respaldado por Fox Searchlight y es el primer filme del estadounidense Max Mayer. Gran comienzo sin duda.
Si hubiera contado con estrellas de gran renombre como Tom Hanks y su director abarcara con poder los cables de la máquina industrial, Adam se extendería como la pólvora en ámbitos cinematográficos más extensos (distante pero cercanas con Forrest Gump).

Pues bien, lo que ocurre cuando nuestro cerebro toma sus propias decisiones sin contar con el corazón y el raciocinio lógico, es Adam.
La película nos ofrece con su dinámica, un atractivo guión entre dos personajes desconocidos.
Uno fascinado por la asombrosa capacidad de "no sentir las cosas o las situaciones de la vida". Y el otro, por su interés en compartir y hacer partícipe al primero de las pequeñas y bonitas cosas que nos rodean en lo cotidiano.
Ambos se nos muestran reales, con magia pero sin compenetración. Se miente y el otro no perdona. El amor y el perdón, que se deben dar la mano para conseguir una relación estable... la comunicación en comunicando.

El director nos muestra una serie de peculiaridades cognitivas fuera de lo "normal". Así, para conocer la excepcional cualidad, deberéis asomaros a la pantalla de Adam.
Escudriñar esas experiencias con algo desconocido, ya que los deseos y direcciones de vuestro hipotálamo se contagiarán de buen cine.
Recomendado para amantes... para amantes del cine romántico y... Excepcional.

**** Notable ****

Mientras su protagonista Hugh Dancy se mete en el reparto de la serie para Tv Hannibal, Rose Byrne se acompaña de uno de los actores de moda Ryan Gosling. El título será The Place Beyond The Pines y se completará con otros atractivos nombres como: Bradley Cooper, Eva Mendes, Ray Liotta y Bruce Greenwood. Su director Derek Cianfrance, tiene varios proyectos en marcha tras la magnífica y melancólica, Blue Valentine.

Tráiler Blue Valentine.



Cinemomio: Thank you

Las más alteradas del Cinecomio

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