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martes, 30 de abril de 2013

The Browning Version: La excelencia a través del trabajo.




Albert Finney y La Royal Shakespeare Company.

Se produce un hecho paradójico, a veces, en un filme.
Cuando una película se compone de un número importante de individuos dedicados a sacar adelante un proyecto cinematográfico, con mucho esfuerzo. Pues, ocurre que en numerosas ocasiones la escena, esto es los fotogramas de la película, se apoderan del espíritu interpretativo de un actor.
En el caso de la versión Browning dirigida por el inglés nacido en Carlisle, Mike Figgis, y su máximo exponente interpretativo en la figura omnipresente del actor y director londinense Albert Finney. Magnífico y mayestático en todos sus planos.

Albert Finney nacido en 1936 en Londres, es un escrupuloso y carismático actor creado a basa del estudio metodológico. Además, si se cuenta en su estreno en las tablas con la dirección de uno de los más grandes como era Charles Laughton, sólo se puede crecer en el arte de la interpretación.
Su siguiente paso fue iniciarse en la mítica primera escuela de teatro británica The Shakespeare Company interpretando las principales obras maestras de la insigne pluma de Sir Williams. La cual en su sede de Stratford-upon-Avon, en el año 2010 se propusieron la rehabilitación de los teatros Royal Shakespeare Theatre y Swan Theatre, ya en pleno funcionamiento con una amplia plantilla de trabajadores teatrales que ponen en funcionamiento cada año, un buen número de historias en las tablas renovadas.

Todo lo aprendido en tan excelsa compañía, lleva a sus componentes a recreación metafísica por la dialéctica de los textos y la proyección de la voz, hacia el público exigente del patio de butacas. Y un buen gusto por los grandes textos clásicos.
Así los principales actores británicos que se precien, se han acercado a los muros de tan sobresaliente empresa, tanto en su edificio natural como el escogido en Londres. Ya que en enero de 1960 su director artístico, Peter Hall también propuso la adquisición de este segundo teatro capitalino. Después, tras varias disputas se quedó sin una sede regular en la ciudad londinense.

Se puede decir de Albert Finney que fue designado por los dioses griegos y teatralizados, para trabajar con los mejores, así en el escenario como en el cine, ya que su carrera en la gran pantalla comienzo bajo la batuta de otro de los directores más importantes y de Gran Bretaña, Tony Richardson (El Animador y sobre todo Tom Jones y ex-marido de otra dama de la escena británica Vanessa Redgrave) para continuar hasta la actualidad con una carrera impresionante en variedad y calidad.
La Versión Browning de Mike Figgis, es la segunda adaptación de la famosa obra teatral de Terence Rattigan por el guionista Ronald Harwood con numerosos trabajos de calidad como El Pianista, Conociendo a Julia o La escafandra y la mariposa. Tras la primera afamada dirigida en 1951 por también británico Anthony Asquith y con Michael Redgrave (padre de Vanessa) en el papel principal del profesor Andrew Crocker-Harris.

Cada versión Browning de celuloide tiene sus propias identidades en el piel de los dos grandes actores. Lógicamente, en Cinecomio recordamos más la ahora comentada (esperando hacer una revisión futura de la primera), pero hemos quedado abrumados por el talento y la facilidad interpretativa de Finney en esta segunda de Figgis.
Además, de contar con una calidad textual incuestionable por la dedicación a los rasgos del profesor de lenguas clásicas en un momento delicado de su vida laboral, a la cual se ha dedicado en esencia prácticamente toda su existencia adulta.

Hablaremos algo sobre Mike Figgis, ciertos rasgos menos conocidos como que fuera teclista en los movimientos musicales iniciáticos del cantante y también actor, Bryan Ferry y su Roxy Music. Estos conocimientos en la métrica musical le llevarían al teatro para arreglos artísticos, y una puerta para la dirección cinematográfica.
Una carrera con títulos como Lunes Tormentoso o el relanzamiento de Richard Gere, Asuntos sucios, así como su más afamada película Leaving Las Vegas. Comenzando un lento declive que le ha llevado a su inactividad en la realización desde 2005.

En los últimos años ha acometido la dirección de la ópera Lucrezia Borgia (algo que sus inicios como músico serían un acicate), del compositor italiano nacido en Bérgamo en 1797 Gaetano Donizetti, y basado a su vez, en la obra de Victor Hugo.
Su último trabajo ha sido un libro con el título de el Cine Digital de Mike Figgis, contando el tratamiento con dicho formato como experimentaría en las películas Timecode y Hotel.
En la presentación del libro manifestó:
“Ante todo, quiero que este libro sea realmente útil. Hace ya mucho tiempo que tomé una determinación conmigo mismo: no quedarme nunca información para mí, siempre transmitirla”.

Esta versión Browning se sustenta en una base con tres columnas fundamentales, tres rasgos característicos de la naturaleza humana como: la crueldad, la compasión y el honor. Además de los factores educativos implícitos en una obra tan académica.
Cada uno de estos distintivos del individuo son sufridos en las carnes del gran Finney, con una variedad de tonalidades en el cambio de su personalidad, sencillos pero arrolladores por su sencillez en la actuación. Matices que construyen en unos días, la vida del viejo profesor en sus momentos críticos de jubilación en la relación laboral. Es decir, de toda una vida.

Esta enorme historia se desarrolla en su totalidad en las distintas estancias o cuadros teatrales en el escenario de la Abbey School, una escuela de rancio abolengo y reglas totalmente british en sus normas educativas. Dónde el profesor de griego antiguo, es considerado como una especie de ogro sin sentimientos por la mayoría de los alumnos y sus propios compañeros en la enseñanza. Incluidos el director y su propia esposa, interpretada con pulcritud emocional por la actriz Greta Scacchi (por otro lado, mucho más joven y brutal en lo emocional que su fatigado marido), de nacionalidad británica y orígenes italianos.
Greta también comenzaría su carrera artística sobre las tablas, siendo reconocida al instante por su facilidad y belleza, junto a Miranda Richardson otro gran rostro de la escena inglesa.

El tratamiento de la dureza del maduro maestro y sus métodos educativos, siempre sin agresividad más allá de su dialéctica, conforma una variedad de rasgos en el rostro de Finney según va sufriendo su cambio interno. Abriendo los ojos con magnánima prudencia y educación a los errores cometidos en su vida, también la personal en su matrimonio. Observando el pasado como manera de conseguir y ofrecer la libertad de pensamiento y emocional, de sus colegas, alumnos y esposa.
A través de unos diálogos brillantes, nos reconocemos y comparamos con las diferencias de nivel académico, de los protagonistas. Un elenco completado con solvencia por Matthew Modine, Julian Sands, Ben Silverstone, el carismático e imprescindible Michael Gambon, un joven prometedor ahora lanzadísimo Jim Sturgess (Upside Down) o Maryam d'Abo.

Así estos últimos instantes, para el comienzo de una nueva vida, se convierte en un viaje junto a Finney por la búsqueda del honor perdido, por muchos años de insultos y vejaciones a las espaldas. Y aunque sufre este despertar tardío, el compromiso con su labor docente le devuelve con creces (y ciertamente con una agria nostalgia) al reconocimiento del trabajo serio pero bien ejercido y la libertad individual.
La falta de lealtad y la crueldad de la persona más cercana, produce en el espectador una especie de compasión, que el mismo protagonista de la película se niega en aceptar.
Su monólogo final es de una belleza conmovedora.

Totalmente recomendable para mentes con inquietud por el humanismo, y por una forma de hacer cine pausado pero con un latido constante. Y buscadores de golpes para las conciencias.

**** Notable ****

Próximos estrenos del cine británico, sus trailers en Cinecomio.

Michael Winterbottom, su nuevo trabajo The Trip. Reparto: Steve Coogan, Rob Brydon, Claire Keelan, Margo Stilley, Rebecca Johnson. Tráiler:

Del director Dan Mazer, el filme I Give It a Year (v.o.). Reparto: Rose Byrne, Anna Faris, Rafe Spall, Simon Baker, Minnie Driver, Stephen Merchant, Jason Flemyng, Olivia Colman.


Por último, el director Ben Wheatley con su película presentada en Cannes, Sightseers (Turistas). Reparto: Steve Oram, Alice Lowe, Sara Stewart, Tony Way, Jonathan Aris, Lucy Russell. Tráiler:




jueves, 25 de abril de 2013

Kauwboy: En Alas de la Poesía.




Cine holandés: puertas al campo.

Se dice que la esencia más refinada de las cosas se guarda en envases pequeños, Kauwboy o el niño "grajo", posee dicha cualidad y guarda en su interior sencillo, la calidad de una historia con aroma a cine estructurado e inteligente.
El director holandés Boudewijn Koole acomete con el riesgo del cine pausado, una película intimista y en cierta manera especial, dentro de una cinematografía que intenta hacerse un hueco entre otras europeas de más renombre. Fue seleccionada por Holanda para representar al país en los Oscar´s y conseguiría un premio Discovery en la ceremonia del Cine Europeo.

En su primer largometraje el director presta el mayor peso del guión (en un equipo de relatores del que él mismo forma parte) en la imagen de un niño abarcando una época convulsa de su vida, la pre-adolescencia y el descubrimiento de emociones a través de la ofuscación de su edad temprana, con altos grados de lirismo y existencialismo.
Una estructura sencilla, pero no por ello compleja, con la notable capacidad de sorprender y conmover a partes iguales, a un espectador algo distraído en su comienzo.

Los aromas campestres de historias mínimas en la cabecita de unos diez años de edad, dónde emergen situaciones cotidianas sobre la vida y la comprensión de la edad adulta. Esa esencia existencial sobre la muerte, el descubrimiento del sexo contrario y la necesidad de ocupar ese pequeño reducto de cariño que todos necesitamos. Jóvenes y mayores.
El reconocimiento del amor esencial, a través del amor a los animales, es un punto de inflexión en la vida de este niño llamado Jojo e interpretado con seguridad por el joven actor Rick Lens en su primer trabajo, y la contemplación de la naturaleza como medio del balance interior propio.

Esta relación naturalista (en cierta medida recuerda a pesar de la distancia generacional y condicionada a cintas como El Hombre de Alcatraz) en la búsqueda personal del equilibrio emocional mantenido por la relación con otro ser vivo, desvalido. Todo ello confecciona un punto de vista muy personal del director de difícil pronunciación en español Boudewijn.
Kauwboy posee también el aroma de los juegos infantiles, de películas con profundidad donde los niños se enfrentan a situaciones más o menos adultas. Travesuras que surgen de la competitividad del mundo de los mayores, y de una cierta educación inculcada con la intención de hacernos más fuertes frente a la adversidad. Incluida la violencia física.

Cuando en una familia reducida de miembros, ya que Jojo es hijo único, se encuentra en un vacío emotivo y empático, surgen los enfrentamientos y la huida entre padres e hijos (una imagen de padre interpretada con eficacia por el actor Loek Peters). Entonces hacerse cargo de los cuidados necesarios para mantener una pequeña existencia se convierten en un refugio fundamental para la comprensión.
Es como si la llegada de un nuevo y débil hermanito, despertaran una pequeña llama en la oscuridad de su plumaje ajado. Jojo y Jack se necesitan el uno al otro, necesitan la música relajante de una canción folk susurrada en la noche. El espíritu de un ser con problemas que necesita del otro, cuando se hecha en falta el cariño de un padre olvidado de su labor de educador y cabeza de familia. Mentes encerradas en un frasco de frustración o en cabezas en plena efervescencia de sentimientos.

Kauwboy destila el olor de la goma de mascar de color azul.
Un chicle de sabor a frescura, con la imagen de una joven actriz de nombre Susan Radder (con un posible y brillante futuro cinematográfico) en usufructo con deseos emergentes de coqueteo con el otro sexo. Aquella acidez del sabor de antaño, los recuerdos de un primer amor compartiendo los jugos y los juegos, porque las quebraderos de cabeza ya llegarán en el futuro. Ahora, sólo el deseo de que la llama prenda en almas viajando en la oscuridad de los tiempos. La poesía como arma de llegar al corazón.
Comentar que Susan tiene una nueva película este años con el director holandés dedicado al thriller y el terror, Dick Mass, titulada Quiz y con la participación de otro protagonista de Kauwboy.

El filme abarca los efluvios de cocinas de amargura, de injustos reproches. Y del encuentro en piscinas cloradas.
Así como, el despertar de sensaciones sonoras y cálidas voces entonando una banda sonora intimista en grado superlativo. Con toques a rock, blues y sobre todo folk, los arreglos son suaves y melodiosamente cristalinos.
Estos saltos musicales por trastes de alegría melancólica se comparten en la profundización de la historia de Jojo y su, poco convencional, familia. La sencillez de una guitarra aparcada desde hace tiempo, pero compartida con el dolor y la emoción.
Sonidos que recuerdan a recuerdos de cumpleaños amargos. Y viajes inacabados.

Para finalizar, podría decir que Kauwboy es un canto a la libertad. Y a los peligros que pueden acontecer cuando las alas están ya sanadas para conseguirla. Es una elegía a la lealtad y al amor, mediante una amistad que no pide nada a cambio, sólo unas migajas redondeadas con las yemas de los dedos.
También del compromiso con las vidas de los que nos rodean. Sacar adelante con el esfuerzo a vidas recortadas o minusválidas, observando el crecimiento de la amistad con una sonrisa dibujada en el alma de una guitarra.

Si algún día consigues alzar el vuelo... conseguirás entender la fragilidad de una vida en libertad. Y lo que cuesta.

**** Notable ****


Tráiler del filme francés Tomboy, de Céline Sciamma. Reparto: Zoé Héran, Malonn Lévana, Jeanne Disson, Sophie Cattani.


Tráiler de la película holandesa Quiz, de Dick Mass. Reparto: Hanna Verboom, Barry Atsma, Pierre Bokma, Kim van Kooten, Loek Peters y Susan Radder. V.O. subtitulado en inglés.


Tango libre, coproducción del director belga Frédéric Fonteyne. Reparto: Zacharie Chasseriaud, François Damiens, Jan Hammenecker, Sergi López y Anne Paulicevich. Tráiler v.o. subtítulos inglés:



Oda a un Kauwboy.

Esencias a recuerdos
de intantiles juegos,
al pie de aquel árbol,
dónde hallé la vida.

Convertidos niños en hombres,
despertar de estado febriles.
Coqueteos del sexo contrario,
flagelos de la vida misma.

Te sostengo en mis manos,
y alimentado con migajas.
tú, mi amigo, Jack el grajo,
idealización vacía del alma.

Pequeño alado,
no tengas miedo,
con ese gorjeo,
y llama a mi lado.
Justos seremos,
juegos enamorados.

Mi alma derribas,
sonidos de guitarra
curando las heridas,
volando muy arriba.
Sonando en el corazón,
del niño olvidado.

No olvides, te nutrí esos días,
fuimos como hermanos,
con empeño, devolvernos la vida,
recuperando el pasado.
El niño convertido en madre,
una llama alumbrando
la oscuridad perdida.
Tú y yo, pluma y carne.



martes, 23 de abril de 2013

El Jinete Pálido: Clint despertó el western de entre los muertos.




Clint Eastwood: Aromas del viejo y rancio western.

Corría el año del señor 1985, cuando un viejo vaquero curtido en numerosas y cruentas escaramuzas, Colt en mano, se decidió a impulsar el género de sus pioneros cinematográficos. Coincidió con otro personaje llamado Lawrence Kasdan que con el film del mismo año titulado Silverado, dieron una renovación de la visión antigua del Western.
Su nombre, no el del predicador sino el cineasta, era Clint Eastwood y sus medios la productora creada en 1967 a su imagen, The Malpaso Company actualmente rebautizada como Malpaso Productions. Nombre tomado de su rancho habitual en Malpaso Creek, ubicado al sur de la pequeña ciudad de Carmel, en California, donde Mr. Eastwood ha pasado gran parte de su vida.

Echando un vistazo atrás, el director Sergio Leone hacía ya casi 15 años que no rodaba un filme del llamado spaghetti western, ya que un año antes en 1984 dedicó sus últimos esfuerzos para crear una obra de una magnificencia colosal con el título de Once Upon a Time in America. Sin duda, un esfuerzo que reclamaría un coste físico, pues cinco años después fallecería dejando huérfano al género que hizo participe a Eastwood de una nueva estética cinematográfica.
Clint aportaría sus pequeñas gotas de esencia al famoso vaquero, dotándole de una estética referente en la historia del cine. Y rescataría para la banda sonora a otro mítico de nombre Ennio Morricone, junto a un compositor de la total confianza como el saxofonista y arreglista Lennie Nihaus presente en muchas de sus películas (como Unforgiven o The Bridges of Madison County).

Pale Rader se iba a convertir en cierta manera en un homenaje al director romano, y algunas de las famosas películas del western clásico como Raíces Profundas de George Stevens, Sólo ante el peligro de Fred Zinnemann o El Hombre que mató a Liberty Balance del maestro John Ford.
El género puesto en los montañosos paisaje del condado de Columbia en el Historic Park, cercanías dónde se rodó también High Noon con un Gary Cooper enfrentándose en solitario a un grupo de peligrosos pistoleros. Y por supuesto, en un parecido personaje al que luego daría otra vuelta de tuerca prodigiosa en Sin Perdón en 1992, en la piel de un endiablado Will Munny.
Este nuevo renacer vendría acompañado de un cierto éxito en la distribución por parte de Warner, ya que el presupuesto inicial de 7 millones de dólares, se convertiría en una recaudación multiplicada casi por 7.

La mítica del 7.



The Preacher es un hombre de mediana edad, ya va peinando canas tras numerosos avatares del pasado por territorios salvajes, dónde la vida no valía ni un puñado de dólares. Distraída barba, sombrero calado con cinta de piel que oculta unos ojos desgastados por las visiones de antaño, y un pañuelo al cuello con recio abrigo para cubrir las adversidades del tiempo y la llamativa vestimenta.
Unos ojos que ocultan un fulgor contra la sociedad enferma, su pasado posiblemente criminal y la envoltura endiablada de su conciencia.

A lomos de su caballo cano llega su fantasmal figura, estilizada como una montaña, portando su uniforme de recolector de almas, que él mismo en el pasado mandaba al mismísimo infierno. Un alzacuellos disimula o disfraza antiguos golpes de espuela a la grupa con galope escapando de la muerte. El golpe de percutor incluido.
La búsqueda azarosa de una ciudad indefinida, le lleva a los pies de montañas enfebrecidas por la necesidad o la codicia. Otra ciudad sin nombre, como él mismo. Muy bien ambos pudieran llamarse Diablo o algo por el estilo.



Sus moradores son mineros en busca del poder del dinero, para salir de su empobrecida vida. A los ojos del predicador son un grupo de ovejas perdidas a las que poder inculcar su visión mística del asunto.
Pero, también son la resistencia al poder establecido por los cañones de agua a presión y las cargas dinamiteras. Aunque su poder sea más de palabra que de hecho.
Ellos configuran la artesanía en la explotación minera y de los recursos naturales, mediante pico y golpe de suerte. Sin embargo, el terrateniente de turno está dispuesto a hacerles bajar de la burra de carga, a través de las malas artes y la contratación de pistoleros si fuera menester. Su nombre LaHood interpretado por Richard Dysart, y su hijo en el añorado rostro de Chris Penn.

Los futuribles fieles se encuentran furtivamente con el Predicador y su altanera dialéctica, sobre la defensa de sus bienes y sus familias. El cabeza de familia interpretado por Michael Moriarty tiene el convencimiento pero no la técnica; eso sólo se aprende con la experiencia del día a día en antros de mala muerte y duelos al sol.
Así, el vaquero de la sotana invisible y botas de montar, se encariña de la familia (inclusive enamora a la joven hija con semejanzas a una virgen inmaculada) y decide echarles unas balas de ayuda. Su odio ante la injusticia del poderoso explotador, le hace revolver sus tripas y proclama su ferocidad ante los hombres indolentes, incapaces de defender la tierra que pisan.

El hombre de paz sin crucifijo en ristre, oculta en su interior un ser endiablado de ojos inyectados en sangre y bilis. Luchando por no salir a la superficie, no tiene más remedio que hacer presencia con la llegada de las siete "plagas de Egipto", y sus métodos de asesinato a sangre fría. La maldad y la codicia aparecen como un pasaje de la Biblia, una maldición para el pueblo sacrificado. Con la cara de la abominación interpretada por un majestuoso abigotado y frío jefe de encurtidos pistoleros de nombre Stockburn (curiosa mezcla de signifidos stock "capital" y burn "quemadura"), recreado por el genial John Russell.

Así, Clint Eastwood se reencarna en el pistolero vengador del spaguetti "leoneiano", él mismo que resucitará en el posterior western Unforgiven, un rostro pálido que enrojece con la cólera de la opresión. Y se quita el disfraz para enseñar su oscuro pasado baleado en la espalda con 6 o 7 marcas de cañonazos a discreción. El ángel exterminador se alza de nuevo.
Las referencias sagradas emergen en el filme dirigido con pulso y talento por el director californiano nacido en San Francisco, y con el guión de una excelencia en estas labores como David Webb Peoples (firma de otros como Blade Runner, Lady Halcón, Doce Monos y el también el mismo de Sin Perdón).

El final del filme tiene secuencias míticas de un duelo contra los siete pecados capitales representados por pistoleros y gabardinas ocres a juego con elegantes sobreros. Botas de cuero sobre los pantalones y las espuelas sonando en las tablas de los porches y rincones de la pequeña población minera.
Su rodaje es propio de figuras reconocidas que han mamado el western desde su juventud, moviéndose como un verdadero fantasma o demonio por las frías laderas de las Rocosas. De nuevo un Clint Eastwood fantasmagórico repartiendo plomo entre los monstruos abrigados hasta los pies. Sus gabardinas son las que sonábamos en juegos de niños con nuestras pistolas de plástico y pistones de indoloro fósforo.

El Jinete Pálido tiene todos los ingredientes para convertirse en una película pequeña de culto y de personajes épicos.
El Predicador lleva en su Carne, la marca de 7 heridas que devolvieron al diablo a su refugio interior, tan profundas que duelen en el alma de la fe.
Son 7 los demonios como plagas o pecados capitales, vestidos con la frialdad de la opulencia y el poder inmaculado.
El demonio es un fantasma que en esta ocasión no necesita de alcohol para su aparición, y mata con 6 tiros a quemarropa más uno, cerebral y calculado para que la bestia no despierte nunca más.

Un golpe último de espuela y el vaquero desaparecerá de nuevo como llegó, como un fantasma entre los campos nevados.

**** Muy Buena *****

Pale Rider 1985, composición de Lennie Nihaus y Ennio Morricone.


A falta de Western en cartelera, y como Clint Eastwood se encuentra en pre-producción de su nuevo filme, la versión de la famosa Ha Nacido una Estrella, vamos con algún estreno más volador.
Iron Man 3, de Shane Black. Reparto: Robert Downey Jr., Ben Kingsley, Gwyneth Paltrow, Don Cheadle, Guy Pearce, Rebecca Hall, James Badge Dale, Stephanie Szostak y Wang Xueqi. 

Trailer Rebelle, de Kim Nguyen. Reparto: Rachel Mwanza, Alain Lino Mic Eli Bastien, Serge Kanyinda, Mizinga Mwinga, Ralph Prosper, Jean Kabuya.

ARTUR NUNES - Tia (Rebelle Soundtrack)


lunes, 8 de abril de 2013

Jack Reacher: La diferencia entre el bien y el mal.




Del conflicto a la interpretación.

Nunca hemos reconocido en Cinecomio a Tom Cruise como un actor de carácter, pero hay que reconocerle un rostro capaz de hacer dinero en todo los trabajos que haya realizado. Esto le supone una "mérito-cracia" en lo referente al público, ya que ha sido vituperado en sus films en infinidad de ocasiones (seamos o no seguidores de su forma de entender el cine). Tom Cruise siempre ha representado el espectáculo y el glamour de Hollywood.
Nosotros aquí le reconocemos su valía en el aspecto de superar una dislexia (le impedía leer y escribir con cierta displicencia) durante su juventud. Por tanto, hacer frente a un problema con un cierto grado de superación.

Jack Reacher parece un papel hecho a su medida, con todos los tics de sus papeles de duro de sus comienzos, pero con la diferencia de un peso elevado en la mente del actor por los años de rodar por los platós. También es el segundo trabajo del director Christopher McQuarrie (ahora se habla que pudiera enfrentarse a otra entrega de Misión Imposible) y autor de algunos guiones de éxito como Sospechosos Habituales. Por lo cual, se puede decir que Jack Reacher tiene una base argumental por encima de la media de otras producciones semejantes.

Cabe la posibilidad que el comienzo de una película se propague como un reguero de pólvora, en el cual el espectador se ve arrastrado y enganchado a la historia. El director McQuarrie consigue dicho efecto, sin la presentación del rostro mundialmente conocido de Cruise. Pone en los primeros minutos de metraje toda la pirotecnia necesaria para crear una ambientación de thriller policiaco atractiva, con el terrorismo internacional y el espionaje industrial en escena.
Tampoco aparecen otros rostros, protagonista principales del filme, como la pareja de sufrimientos interpretada por Rosamund Pike, ni la sugestiva imagen de dos buques insignia de la cinematografía americana como Richard Jenkins o el querido por todos Robert Duvall. Siempre una imagen mayestática de saber estar en estos dos grandes actores.

El guión de Jack Reacher, en manos del propio director basado en una novela del británico Lee Child (como dato curioso aparece en un pequeño papel en la película como sargento de policía) nos adentra en una trama de espionaje y asesinato, algo confusa en algunas de sus partes. Sin embargo, consigue mantener el ritmo de la trama hasta el final sin demasiados problemas.
Cuenta historias sobre seres escapándose de realidades o de pasados afilados en sus carnes. Hasta aquí, todo correcto y con cierta contundencia en las imágenes y diálogos.

Sin embargo, las deficiencias aparecen con la suficiencia de los gestos y acciones del protagonista, cuando el policía militar se convierte en una máquina de matar y un cerebro superior a la media de sus enemigos. Por otro lado, el aspecto de galán arrollador y atractivo de Tom Cruise con las mujeres de cualquier edad, es un hecho que no me preocupa especialmente, más bien, lo ignoro en la crítica actual. Pero, está ahí.
Las tensiones que se derivan en los encontronazos (más o menos esquivos) del policía militar en la clandestinidad y la abogada interpretada por Rosamund Pike (Orgullo y Prejuicio, An Education) producen una extraña y misteriosa pareja. Y el director explota una imagen de dureza con cierta ambigüedad al romanticismo.

La tensiones derivadas de la acción principal, quizás, conforman los altibajos que sacan al espectador de la trama en ocasiones, cuando el flirteo y la profusión de atractivos sexuales y sentimientos no redondean las relaciones con el género femenino en el film. Jack Reacher se mueve en los terrenos de la profesionalidad y los medios de combate cuerpo a cuerpo... pero solamente en los barrios, parques y puentes de Saltsburg, Pennsylvania, dónde está rodada la acción.
Ahora bien, esto no es óbice para la consecución de otros retos al alcance del guionista y director. La investigación pseudo policial (por estar al margen de los actitudes habituales de los mandos policiales) depara encuentros con lo más interesante de la película, sin lugar a duda.

Profusas y espectaculares escenas con tiroteos y la aparición en escena de los malos de la cinta, con un peso sin parangón para un grandísimo Werner Herzog en el papel angustioso y maligno al extremo de The Zec. También acompañado de forma terrorífica por un puñado de matones y asesinos a tener en cuenta, y alguna sorpresa que hay que desmadejar en su visionado final.
La violencia de gesto y mirada del maestro Herzog, es suficiente para conseguir un estado de alarma y deseo de su próxima aparición en la gran pantalla. Sin concesiones, este actor y genial director de filmes, y sobre todo documentales, simplemente con su profunda y arrastrada voz nos prepara para caer en la maldad absoluta.

Para finalizar, como la trama en algunos momentos se hace espesa y rebuscada, con una investigación que produce instantes de pérdida del hilo argumental, y algún que otro papel cuestionable para mi gusto, diremos que en la maldad radica su esencia.
Sin esta acciones reprobables y herzognianas, no sería lo mismo. Por lo tanto, podemos acreditar que os divertiréis con Jack Reacher y su semejanza a otros personajes ochenteros del cine.

*** Interesante ***

Oblivion, de Joseph Kosinski (TRON: Legacy). Reparto: Tom Cruise, Nikolaj Coster-Waldau, Morgan Freeman, Olga Kurylenko, Zoe Bell, Melissa Leo, Andrea Riseborougn, Lindsay Clift.

Películs Mud (Barro), de Jeff Nichols (Take Shelter). Reparto: Matthew McConaughey, Jacob Lofland, Tye Sheridan, Reese Witherspoon, Michael Shannon, Sarah Paulson, Ray McKinnon, Sam Shepard, Paul Sparks, Joe Don Baker. Espectacular elenco.

jueves, 4 de abril de 2013

War Witch: La 'Bruja' del Comandante Rebelde.



Oscar nominada a la mejor película de habla no inglesa 2012.
Festival de Berlín: Oso de Plata - Mejor actriz (Rachel Mwanza)
Festival de Tribeca: Mejor película
Canadian Screen Awards: 10 premios incluido mejor film y director.


La fisicidad cruel de la guerra africana.

Llevamos unas cuantas películas estrenadas sobre los problemas variados que sufren los niños en distintas situaciones desesperadas o violentas. En este caso el filme War Witch (Rebelde en España), nos muestra la fisicidad de la guerra y la suciedad en su más amplio sentido. Una producción de Canadá de nuevo impecable y con dos protagonistas "casi" invisibles en una apuesta valiente.

Sin embargo, dos figuras que están presentes durante toda la película. El director y guionista Kim Nguyen, se desplazó a tierras del Congo para contar una historia sobre la guerra y los niños soldado, aunque realmente se cuentan también las tribulaciones de un no nato en una declaración epistolar de su madre. A él van dirigidos los consejos y avisos sobre la vida y la muerte, en un interesante interpretación de Rachel Mwanza o la Bruja de la Guerra.

Ambos, madre e hijo, mantienen durante todo el metraje un diálogo de sentimientos encontrados, de los peligros de monstruos y sus terribles actos sobre los pobres campesinos, hombres de bien. Pero, sobre todo ante la invasión de la niñez y el maltrato a la mujer, con el único interés de la anulación, el uso de la violencia y el fin último de convertirles en fantasmas.

Aún existen otro protagonista medio visible, en el lugar donde las películas modernas se recrean, War Witch no lo hace. En nuestra opinión, la sangre. Arriesgado, no. Bello punto de vista del director Nguyen.
La de vencidos y maltratados que se ven arrastrados a la locura y la avaricia de los señores de la guerra, en un desprecio absoluto por la humanidad y la vida. Por otro lado, la de los vencedores que caerán víctimas de sus propias insidiosas aptitudes.

Como la sangre no respeta sexos ni edades, se mezcla con la pobreza y la codicia de los poderosos. Se enfanga con la suciedad y la mugre de pequeñas aldeas y caminos selváticos. Por sendas sangrientas encontramos personajes desvalidos o rufianes, trabajadores forzosos o jóvenes aprendices del manejo de armas obtenidas de otras potencias.
En el infierno, Nguyen respeta por el contrario al espectador, despojándole de escenas escabrosamente innecesarias y sensacionalista. Insufla un tratamiento de gran lirismo a las imágenes, a las relaciones personales llenas de sugestión demostrando una gran inteligencia en el tratamiento visual y argumental.

En War Witch existe un póker físico que dota de movimiento a las acciones y caminatas por la selva y poblados pintorescos de algún lugar indeterminado del África Subsahariano (Guerra del Congo y comercio con Uganda o Ruanda), en dos lenguas oficiales francés y lingala. Y música plagada de percusión angoleña.

Además de la magnífica y sensitiva madre, llamada Komona, aparece su opresor en la oscuridad absoluta por la codicia del dinero extraído con el mineral coltán usado para la fabricación de condensadores de nuestros aparatos electrónicos. El Grand Tigre Royal interpretado por Mizinga Mwinga.
El curioso albino y querido por ella, Le Magicien, un personaje entre la guerra y la magia de los ancestros africanos. Sus amuletos y sortilegios se cruzan en el camino de los soldados y la muerte. Su piel se envuelve en el actor Serge Kanyinda. Sin embargo, el póker se completa con el rostro de la violencia, a manos manchadas de golpe de machete y tiro en la cabeza. El Comandante Rebelle da nombre al título en español, y el actor llamado Alain Bastien se convierte en el centro de todos los desastres acontecidos en las tierras llenas de sangre y hambre de este notable filme War Witch.

**** Muy Buena ****

Cómo últimamente muchas películas se cargan de un lirismo especial, no voy a perder la oportunidad de una composición (más o menos acertada). Espero que guste:


Un día nacerás y me podrás juzgar con tus ojos de adulto.
Yo no pude, era la niña de mis padres.
Juntos viajamos por parajes de belleza incomparable,
llenos de barro y podredumbre perversa.

En la tierra de nuestros ancestros, niños como tú, muertos
jugando en una malvada guerra, secuestrables.
Te cuento y escribo. Podrás elegir tu futuro incierto,
lograrías, esquivar aquel fango sangriento.

Recuerdo el atardecer, ese Rebelde comandante, aquel
que me convirtió en fantasma, como mis padres.
Con la sangre corriendo por mi frustrado interior, en
silencio escondí mis lágrimas, con pena y vergüenza.

Humillada madre que te habla, te conservaría con dolor,
en su entraña ultrajada, la feminidad maltrecha.
Tú vivirías, alguna oportunidad... no sé que futura vida,
pero vivirás, porque tu madre así lo decida.

Fusil por filoso machete, aquí estoy y les recordaría,
yo también puedo y debo ser fuerte.
Por aquellos sucesos, tú enterrarás los huesos, pequeño.
No como tus abuelos en aldea de muerte.

Sin magias ni salvia, obtendrás tus sueños, sin miedo.
Sin fantasmas, sin maldad y enfrentamiento.
Primero serás niño, no soldado, crecerás a mi lado.
Tu padre y madre, no será un mortal artefacto.

Que, ni el futuro agorero ni el machista veneno,
te alcance,
ni impida que crezcas y formarte primero,
ser hombre.
No monstruo, ni fantasma,
ni huesos.
Porque en esta tierra, aunque no tengas dinero,
no importa hijo.
Aquí nadie tiene dinero.


Tráiler del filme Trance, de Danny Boyle. Será presentado en el Festival de Tribeca, con el elenco siguiente: James McAvoy, Vincent Cassel, Rosario Dawson, Tuppence Middleton, Danny Sapani, Wahab Sheikh.

Otra de Tribeca, At Any Price de Ramin Bahrani. Reparto: Zac Efron, Dennis Quaid, Heather Graham, Clancy Brown, Kim Dickens. Tráiler:


Por último y como no hay dos sin tres. En Tribeca también se presentará el nuevo y esperado trabajo de Richard Linklater con el título Before Midnight. La que parece parte final de la trilogía comenzada en (como casi todo) una amanecer, un largo atardecer hasta acabar en cierta oscuridad de la moderna Grecia. Reparto: Julie Delpy, Ethan Hawke, Seamus Davey-Fitzpatrick, Jennifer Prior, Charlotte Prior, Xenia Kalogeropoulou, Walter Lassally, Ariane Labed, Yannis Papadopoulos.

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